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装饰艺术论文范文第1篇
清真寺的装饰艺术以丰富多彩的纹样为特色，其装饰纹样之多，在世界各种建筑形式中首屈一指。清真寺的装饰纹样主要是由各种植物和抽象曲线互相盘绕而构成基本图案，无论是题材、构图，还是描线、敷彩，都十分独特。艺术史学家爱丁霍森（R.Ettinghausen）曾描绘道：“半棕榈叶装饰的风格，构成绵延不绝的图案……每片叶子长在另一片叶子的尖端。”这样的纹样密集地覆盖整座建筑，为清真寺建筑增添了别样的风采。按照题材的不同，清真寺的装饰纹样大致可以分为植物纹、几何纹、文字纹三种。植物纹样装饰，主要是承袭了东罗马的传统。历经岁月的淬炼，如今已经集成了灿烂丰富的纹样形式。植物纹样并非对自然界植物的完全写实化的描绘，而是更加抽象化、形式化。其图案或者是由树枝和树叶交织弯曲成卷轴形，或者是由花卉与新月组成，形成一些富于象征或寓意性的图案，充满了幻想、浪漫的情调。几何纹样则是阿拉伯文化的独创，它以圆形和方形为基础，经过艺术家的想象、创造，延伸出各种形态。这种装饰艺术将线条的丰富性运用到了极致。各种连贯线条编织缠绕、回环延展，显现出千变万化、极具流动感的韵味，形成特殊的装饰纹样。文字纹样则是由阿拉伯文字图案化而构成，独立用在清真寺建筑的某一部分上，大多是《古兰经》上的句子。这在装饰纹样中占有相当重要的地位。由于阿拉伯文字体种类繁多，文字纹样因此也各具风格。像最早的库菲体，就有花状和叶状的不同，都极富装饰性；纳斯黑体和斯尔希体则工整、圆润。随着11世纪后众多字体的相继出现，文字纹越来越呈现出奇丽多姿的局面。这些装饰纹样不仅仅运用于清真寺，也广泛应用于书籍装帧、陶瓷、雕刻、纺织物等各个方面。
格拉巴拉在《伊斯兰艺术的形成》中说：“（装饰纹样）无论是几何状还是植物状，都有象征意义，这是伊斯兰美学的极致。”清真寺的装饰艺术，不仅仅反映着审美情趣，更有各种寓意。有的学者称清真寺的装饰纹样是“益智怡情”的形式，就是因为它所具有的审美和象征的双重意义。连续不断、枝繁叶茂的植物纹样，象征着宇宙万物的节奏感和生命力，著名的“圣树纹”（以及后来衍伸出东方美术史上最早出现的“缠枝葡萄纹”）就是代表着生生不息的生命力；同时，纹样都是抽取了植物的某个图案要素加以运用，超越了具象的表达。穆斯林先于世界其他民族和宗教艺术而使用几何纹饰，并将其作为主要装饰艺术，既表现了穆斯林在代数学和几何学方面的知识，也反映了他们对世界的认识：抽象的几何图案，是为了表现世界本质的一致性，同时也包括了让物体的结构更加稳固与美丽的原则；圆形象征完美的整体，代表永恒与无限；方形代表构成宇宙世界的四大元素，缺一不可……至于文字纹样，更是对伊斯兰教思想的直接表述。不同的纹样相互交错，变幻无穷，体现了清真寺装饰艺术语言的丰富性。清真寺的装饰艺术，呈现出抽象、满密、规整、均衡的特点，体现出和谐的韵律美，这种艺术形式，其实是对伊斯兰教“中道”思想的阐释：在肯定现实生活幸福、愉悦的同时，也注意对人的欲望加以规范。
至于装饰手法，世界各地的清真寺则因地制宜、不尽相同。例如，著名的土耳其蓝色清真寺之所以得名，就是因为该寺的墙壁自其高度的1/3以上，都使用了刻着丰富的花纹和图案、以白色为底的蓝彩釉贴瓷，这些瓷片使整个清真寺内似乎都充满了蓝色；而出自拜占庭工匠之手的大马士革清真寺柱廊的马赛克镶嵌画，则使用了20多种不同质地和颜色的马赛克，色块和色块之间自然地过渡，是代表性的作品。在中国，清真寺将伊斯兰装饰风格与中国传统风格融会贯通，充分利用了中国传统的装饰手段，通常采用白、蓝、绿等冷色布置大殿，使用中国传统的青竹、荷花、梅花、牡丹等图案和阿拉伯文字画，或精雕细刻、或雕梁画栋，或放置香炉、屏风，使清真寺充满富丽堂皇的气氛。主要的装饰手法为砖雕、木雕、彩绘等。像青海湟中的洪水泉清真寺就以精美的砖雕和木雕见长。迎门的青砖照壁，正面全部用六角形绣球式的花瓣雕成，状如百花齐放，在阳光的照射下，花卉瓣纹形成一种柔和的韵律，让人叹为观止；清真寺内邦克楼的窗棂、大殿的格门雕刻，都是少有的木雕佳作。西安化觉寺则以彩绘著称，其大殿的天花彩绘多达600余幅，充分表现了中国清真寺古建筑彩绘的独特手法，堪称国内清真寺彩绘装饰艺术的代表作。而新疆地区的清真寺一般都有彩绘，门扉、藻井、梁枋、木柱，都用对比鲜明强烈而又相互协调的色彩绘成具有独特形式和风格的花卉、水果、花瓶、风景及几何图案，更为其他地区的清真寺中所少见。而描绘这些装饰纹样的色彩，鲜艳而又相互协调，体现了强烈的色彩观念和浓厚的生活气息。清真寺装饰艺术偏重于抽象和象征手法，使用几何图案和线条艺术，融纯朴与华丽、高雅与简单于一体，以此可见穆斯林艺术家独特的艺术创造能力和天赋。
作者：葛辉单位：河南信阳农林学院规划设计系
装饰艺术论文范文第2篇
我国传统图案文化能够经久不衰地流传至今，足以说明其在艺术设计中的重要地位。大多数传统图案往往可以显而易见地表达一些寓意，有着极强的象征性。在我国的古代社会和民俗文化当中，就存在着一些比较广为人知并且又有着十分吉祥寓意的图案，比如我们熟知的华人图腾——龙。中国人都自称是龙的传人，因此龙在装饰方面一直都是受人欢迎的，古时候一些家境富裕的人们常在建筑物上加入龙的元素，比如鸱吻这种长得像鱼一样的龙的形象就成为了汉族建筑屋脊上的一种装饰构件。而在如今社会，人们仍然离不开对传统图案的崇拜和敬仰，因此在许多装饰艺术上，传统图案文化都有着不错的表现。
二.传统色彩的表现
在我国的传统文化中，色彩元素在装饰艺术中的应用也可以加强艺术效果。不同的色彩往往会在不同的领域中发生微妙的改变，例如当人们想要表达自身喜悦的心情或者营造喜庆的气氛，那么一般就会使用红色为主色调。又比如，在古代，金色与黄色都代表着权力至上，古代的宫殿、帝王的服饰都是以金黄为主。设计师们通过对传统的色彩进行分析利用，就可以使我国传统的文化内涵在现代装饰艺术中表现出来，增强装饰艺术的魅力。
三.传统图形的表现
在环境艺术设计中，一些传统图形甚至能够与现代的载体完美结合，既展现出图形代表的传统意义，又不失大雅之堂，形成一种全新的视觉环境。这里体现出了一种融合的概念，也是一种新思维的创造。同时，也不能忽略了现代环境艺术设计与周围环境有无违和感，以达到充分表达图形含义的目的，赋予现代环境深刻的文化内涵。
四.情感的表达
在古代的建筑设计中，传统文化大多使用含蓄的手法来表达情感，无论是外观还是室内布局，都通过合适的物品陈列和文化图案来承载文化，这种表达手法被称为隐喻。在现代环境艺术设计中，这种隐喻依然受到青睐，也是一种独一无二的表现方式。
五.形神并举，和谐搭配环境艺术设计
作为一项专业的现代设计技术，也要求用现代的审美态度对于传统文化元素进行审视。在此过程中，设计师必须充分理解传统文化，利用现代艺术手段对其开发创新，促进传统文化与现代文化的相互融合。著名的苏州博物馆就是一个最好的例子，它既保留了传统的文化元素，又嵌入了现代审美。将传统文化融入到现代环境艺术设计中，使其形神并举，和谐搭配，充满诗情画意，传统文化的精神更好地展现出来。
1.自然环境搭配色彩
人作为环境中的主体，生来就对大自然亲近至极，同时人们对美好和谐的事物多有特别的倾心。人无法离开自然环境生存，而通过人对大自然的情感烘托，自然环境也可以变得更加丰富多彩。当人们在贴近大自然时，会情不自禁觉得亲近，会自然而然表现出最亲切顺畅的行为方式。值得一提的是，自然界中许多事物都是相对的，就如同你在自然界中永远也无法找到两片一模一样的树叶。然而正因为不加修饰又与众不同，才能带给人们舒适的感觉。站在环境艺术设计的角度上看，设计师在把握色彩的使用时，要考虑到与自然环境是否协调，要学会从自然界中采集独特的元素，也要注重颜色节奏对总体结构的影响，唯有如此，方能达到环境艺术设计的高要求。
2.自然环境融合文化
我国古代的装饰风格具有很强的亲和力，房屋环境的设计与自然界融合尤其体现了这一特色，这是对现代环境艺术设计最好的启示。而这种近乎完美的融合也是人们千百年来实践经验总结得出，其规律性和视觉效果都经得起漫长岁月的考验。比如，古代建筑中的檐柱就扮演着重要的角色，它使得建筑看起来有一种稳定的感觉，而屋角的上翘更是很好地展现了建筑的全局性，充分地表达了处在平衡中的和谐之美。在现代环境艺术设计中，设计师可以借鉴古人的建筑经验，在充分运用传统文化的同时，注重其与自然环境的融合，最终呈现出精美的嵌入型结构，使得处在自然环境中的建筑结构既无突兀之感，又恰到好处地体现出设计的巧妙之处。
六.结语
装饰艺术论文范文第3篇
在中国的工艺美术品发展史上，漆器因纹饰优美、光照鉴人、造型独特而举世闻名，多年来，中国漆器一直受到国内外人民的喜爱，漆器艺术是一个民族的历史文明的象征，在众多传统艺术领域，漆器的地位不容忽视。中国是世界漆艺的发祥地，是出土古代漆器最多的国家。早在尧舜禹时期，就开始使用漆器制品[1]32。从战国《韩非子 十过篇》记载中，我们可以看出，原始社会末期，木制漆器已经出现，虞舜时期就已经有了食器的漆器。在虞舜时期，由于生产力水平比较落后，漆器制作较费人力，禹得天下后，就将食器的漆器内涂红漆，外涂黑漆，作为祭器。漆器的工艺以及涂色在夏禹时期，进步非常神速，和后世漆器的一般装饰漆器相比，二者的涂色非常类似。因为早期多采用木制的漆器，腐朽得快，所以早期器物极少出土。1976年，考古学家在浙江余姚河姆渡文化遗址，发现了出土了朱漆筒木和胎漆碗，对虞舜时期就已经有了漆制食器进行了再一次的证明。汉代时期，中国的漆器得到了长足的发展，漆器工艺进入黄金时代，不仅漆器产量大大增加，生产规模也不断加大，漆器工艺发展势头空前盛大。在对前人漆工艺予以继承的基础上，汉代漆工艺进一步创新与完善，逐步形成自己的特色和风格。漆器生产在汉代时期，已经成为重要的手工业生产项目，不管是生产数量还是产品质量都进入了黄金时期，汉代漆工艺逐步成为青铜文化之后又一突破性的历史文化现象。它的意义不仅局限于漆艺专业，同时它的历史价值还将工艺美术的范畴突破，它继承和发展了我国的铜器、玉器、陶器、绘画和书法艺术，并对后世装饰艺术都产生了极其深远的影响。
二、 汉代漆艺的历史价值
在我国汉代，漆器工艺获得了很大的发展，在人们的日常生活中，已经开始普遍使用漆器。汉代漆器通过对先人漆器工艺的继承，发展是盛大空前的。漆器艺术已经成为重要的文化载体，如同商周时期青铜器、明清时期的瓷器一样，无论是工艺还是艺术水平，在手工业行业中都居首位。尤其是漆器的绘画，更加典雅、生动、华丽和精美，使漆器工艺的艺术价值倍增。汉代漆器不仅继承传统工艺技术，还在各个方面进行了创新。商周以来，青铜工艺开始衰落，漆器手工作坊逐渐兴起，战国至汉代时期是漆器工艺的蓬勃发展时期，汉时期漆器工艺进入黄金时代，由于汉代时期有着非常发达的手工艺，社会环境又极其稳定，对漆器制造业的发展起到了极大的促进作用。在汉代的婚丧嫁娶以及各种祭祀活动中，漆器随处可见，不仅华丽轻巧、又实用和方便，将笨重的青铜器逐渐取代。政治稳定、经济发展、生产技术的进步促进了漆器工艺的发展。汉代初年，政府采取一系列“轻徭薄赋”“、休养生息”政策，国力强大、经济繁荣，社会环境相对安定，在这种安定的生活中，农业、手工业以及商业都获得了很大的发展。汉代手工业往往都是自产自销的模式，它提供了良好的环境保障，促进了漆器制造业的创新和发展。就汉代的经济发展来讲，有着非常发达的纺织、铜器和陶瓷。漆器的工艺更是获得了长足的发展[2]49。不仅品种多，产量也十分大。呈空前繁荣之势，无论是创新和发展，其风格和特色都非常独特。汉代漆器的生产技术也获得了很大的提高，汉代时期，出现了许多官营手工业作坊。汉代官营手工业漆器作坊分工细致，管理严密。生产组织严谨，据有关史料记载，官营汉代漆器生产分工明确，主要有素工，主要做漆胎灰底；画工，主要在漆器上作画；髹工，主要在漆胎上涂漆；上工，在漆器上进一步涂漆；清工，相当于现今的检验工，还有专门制漆的漆工；专门供应材料的供工，还有造工，作坊主；可见汉代官漆有着极其细密的分工。官营的漆器作坊主要是对官府、军队和皇室的需求予以满足。因此，官营的漆器精工细做，有着极高的艺术价值。轻巧华丽方便的漆器，在汉代贵族日常生活中逐步成为财富和身份的象征。汉代贵族不惜大量的金银财宝，购买漆器制品装饰自己的殿堂。据史料记载“赵飞燕女帝，居昭阳殿，中庭彤朱，而殿上丹漆”。长沙马王堆一、二、三号墓出土约七百件漆器，虽然经过了两千多年，但一、三号墓漆器色泽如新，光彩照人，这些漆器证明，汉代的漆器制品使用已经非常普遍，并且受到了不少贵族们的热捧。汉代的贵族阶层，不仅将漆器制品运用在日常生活和建筑中，还将漆器当作馈赠的礼品。这种馈赠所用的漆器制品，有着华丽的装饰和精美的制作工艺，其历史价值也更高。汉代漆器用色上大多用朱红描绘，底漆为黑色，色泽光亮，单纯而典雅。同时，也有一些汉代漆器用色上运用色彩的组合，一般情况下，常用白、灰、黄、绿、褚等色，通过平涂渲染等表现技法，效果华丽丰富，具有较强的审美价值。1973 年，湖北江陵凤凰山八号汉墓曾经出土了神人怪兽纹龟甲形漆盾，这是一件极其珍贵的漆器艺术品。此件漆器底色为黑赭色漆，平面呈龟腹甲形，神兽奔走欲飞、昂首屈身。漆盾的背面相对而立两个衣着相同的人。右边的人还身配长剑。此漆盾在构图上采用了对称的表现方法勾勒人物，神兽用简练粗率的线条，以浓笔平涂，不仅概括地表现画面，还增强了神兽的力度感。动态可掬、寥寥数笔，其风格不仅超越了时代，还符合现代派的风格[3]63。还有湖南长沙马王堆出土的彩绘漆棺，棺外的朱漆底上，采用明亮的漆色，如青绿、粉褐、赤褐、黄白，对仙人、朱雀、龙、虎、鹿等纹样进行了描绘。盖板主体对二龙二虎相斗的纹样进行了描绘，其形象栩栩如生。该棺所绘图像，与长沙砂子塘出土的一具朱漆彩绘棺图像颇为相似。长沙砂子塘出土的朱漆彩绘棺也是西汉早期所埋[4]36。还有马王堆 1 号汉墓出土的黑底彩绘棺，上面彩绘的仙人和禽兽大约有 90 多个，这些仙人和禽兽形态各异，在通体复杂多变的云气纹中，仙人或满弦将射，或翩翩起舞，挥动长袖，而禽兽则翘尾回首、惊恐奔逃，整幅画面以黑色为主，主题花纹采用粉绿、灰等偏冷的间色，其花纹为流云纹、卷云纹为中心的带状图案，画面栩栩如生，具有强烈的运动感和丰富的感彩。动感十足，形象丰富，具有极高的艺术价值[4]12。考古发掘中我们发现，小型墓室漆器较少，漆器多出于大中型墓室，亲王贵族漆棺贵至万金。制作精美的漆器价格十分昂贵。名贵华丽的漆器，只有贵族和统治阶级才享用得起[5]21。因此，也可以说，研究汉代漆器工艺，对于了解汉代历史发展，了解漆器艺术对于工艺美术以及装饰艺术的影响，都具有重要意义。
三、汉代漆器艺术对后世装饰艺术的影响
装饰艺术论文范文第4篇
1.中国传统木雕艺术
中国传统木雕艺术根据历史记载已经有超过七千年的历史，在浙江余姚的河姆渡遗址中发现木雕鱼是其最好的证明。此外，木雕顾名思义就是利用木质材料进行各种工艺艺术品的雕刻。常用作木雕艺术雕刻的木材主要有：樟木、黄杨木、红木、梨木、柏木等。我国传统的木雕雕刻是以木料的天然特点为基础，在此基础上寻求木料的内在表现力。我国传统的木雕艺术从古至今一直以道家所提出的“天人合一，道法自然”的设计理念为原则。经历了几千年的历史文化积淀与发展我国已形成了独具一格的木雕文化艺术。我国的传统木雕艺术经历了一个产生、兴起、成熟的过程，木雕艺术的起源是在原始社会新石器时代；奴隶社会是木雕艺术的兴起，在这一时期由最初的单一线条发展为曲型线条，人们对美的追求不断加深。封建社会时期是木雕艺术的成熟期，在这一时期，木雕艺术的设计内容更为丰富、设计更娴熟，在室内装饰的图案也更加新颖。由于自然地理环境、人文环境、政治环境、经济环境、文化环境之间的差别，导致了中国传统木雕艺术在历史的变革中产生了不一样的风格与流派，每个流派都呈现出地域风格与特征。其中主要的木雕流派有：东阳木雕、潮州木雕、徽州木雕、福州木雕（龙眼木雕）、黄杨木雕、宁波朱金木雕、剑川白族木雕等。
2.室内装饰设计
室内装饰设计也称作为室内装潢设计，由是为了达到人们的精神文化审美需求，考虑技术和材料之间的合理性、空间结构与色调之间的协调而进行的艺术装修。例如，对室内空间的结构、造型、色调、光影的装饰以及一些陈设物品的设置。室内装饰设计可以分为民用住宅装饰设计和公共建筑室内装饰设计两大类别。民用住宅装饰设计就是指人们的家庭生活场所，除此之外其他的室内空间装饰均属于公共建筑室内装饰设计。如饭店、展厅、商场、影剧院等。从某种意义上来说，室内装饰设计其实就是一门研究室内空间六个面的创造学问。结合科技、艺术、审美等各方面的因素，设计出既满足基本功能又满足人们审美需要的室内环境设计，从而达到物质、精神、文化三方面的统一协调，使人与室内空间成为一个有机的整体。
二、中国传统木雕艺术在室内设计中的特征及价值
木雕艺术是我国传统文化的一种典型符合，也是室内设计的重要组成部分。下面我以《松鼠吃葡萄》这个木雕艺术为例 来阐述中国传统木雕艺术在室内设计中的特征及价值。
1.室内装饰设计回归自然化
随着社会经济的发展和人民生活水平的提高，人们对于物质生活已基本得到满足，进而开始追求精神文化层面上的品质需求。人们向往自然，追求“绿色”理念。在现代化的社会之中，将中国传统木雕艺术引入室内设计之中，不但可以将“绿色”理念真正的落实于人们的起居生活之中满足人们精神文化上的需求，而且还可以将传统与现代相结合。《松鼠吃葡萄》所用的原材料为原木来源于大自然，符合环保、原生态的理念。
2.室内装饰设计整体艺术化
木雕艺术具有浓厚的装饰意味，木雕自身的精细与美感在光、影、色、形的交替呼应下使整个室内空间充满艺术气息。《松鼠吃葡萄》在手工艺人的雕刻下，将松鼠的形、姿态，葡萄藤的肌理、质感、纹路都逼真的展现营造出整一件艺术品的艺术气息。
3.室内装饰设计彰显人性化
通过木雕艺术的不同艺术表现手法可以反映不同群体的意识、不同文化层次的审美标准、不同年龄阶段的思维方式。《松鼠吃葡萄》这件木雕艺术不仅无化学污染而且还有益于修身养性，让人的心灵得到进一步的净化。不同于其他形式的艺术品对人还存在一定程度的潜在威胁。因此中国传统木雕艺术与室内装饰设计的结合强调了“人”这一主题，强化了“设计为人服务”这一理念。
4.视觉审美价值
木雕艺术在室内装饰设计中应用非常广泛，不仅可以用于天花设计、隔断设计、家具设计等，而且还可以用于室内工艺品的设计。试想一下，将中国传统木雕艺术应用于天花、隔断、家具、工艺品这类物体上，不仅增加了这类物体的立体效果，也丰富了审美价值。《松鼠吃葡萄》艺术品在表现葡萄藤的线条、形状和松鼠的稳重而又轻巧、速度与节奏上都符合形式美法则的运用。另外木雕艺术自身体现的就是一种美感，反映了人们的审美观念，具有极高审美价值。无论远观还是近看都无法掩饰木雕艺术的美感。
5.祈福价值
古往今来，人们通常将具有一定作用的或者自己喜欢的动物、景物采用木雕的方式将其刻录在建筑物或者家具上，体现了人们希望通过一种手段将自己喜欢的东西保留下来，突出了人们对美好生活的憧憬，如《松鼠吃葡萄》这件木雕艺术品，成串的葡萄有“多”的含义且果实堆叠繁密，寓意着五谷大获丰收和富贵。鼠在十二时辰中为子，喻“子”之意，而葡萄松鼠的组合有“多子多福”“子孙万代”的吉祥祈愿，更诠释了木雕的祈福价值。又如人们喜欢将寿星这一形象采用木雕的方式展示出来，其表示的是长寿的寓意。
6.文化价值
木雕是美的体现，作为中国的传统艺术，它蕴含了广泛的历史文化内容，见证了历史的变迁，记录了历史的沧桑，集文学之美与艺术之美于一身，体现着中华民族几千年来的价值体系。《松鼠吃葡萄》是明清时期一大题材。从自身作品内容来说，他没有很深厚的文化底蕴和文化信息，但从材料上说它具有丰富历史文化价值和文学价值。
三、结语
装饰艺术论文范文第5篇
壶艺的发展与装饰艺术集于一身，方器线条挺括，轮廓清楚;圆器骨肉亭匀，珠圆玉润;筋纹器节奏有序、纹理精巧;塑器有形状类，理趣兼备，体现高度的美学法则，特别在装饰上展现多种书法，人物图案、山水花鸟，使之与壶艺融入一体，更增添人在饮茶之余，品其韵味，陶冶情操领略美感，更展现出紫砂壶的宽广天地。
方舟壶全手工制作，全壶每一处都透射着力的动感，阳刚遒劲，有“荡气回肠”、“大舸争流”的豪畅、气度扑人的眉宇，在壶上可以感觉到张力、膨胀力随想而生，器虽小，然气魄宏大。在整体壶型的设计上，笔者联系虎的刚正特性，将壶定位为方形器，壶身、壶盖、壶把与壶嘴，都以方传神。流畅的线条，将每一个转折或装饰之处，都表现得清晰利落，端庄而稳健。作品正气凛然，古韵荡然，周正挺括，构设极为精妙。
壶身以虎作装饰，细致刻画，尽显祥和氛围。在这幅画中，老虎栩栩如生，其形态动作，生动传神，其表情神态，细致入微。悉心观之，不觉这分明就是一幅壮阔的虎之国画，可与纸上泼墨的大作媲美，足见作者的绘画功底，然壶上作画更见难度，作者把握如此精准，颇为难得，其刻绘造诣定是炉火纯青。整把壶因这不凡的虎画而更为与众不同，更因此深添了高雅的文化气质。
虎，素有兽中之王的美誉，南方方言中，“虎”与“福”常作谐音，因而，虎也是祥瑞与吉利的象征。在中国的十二生肖中，虎排位第三，足见人们对虎的崇拜与喜爱。中国的民俗风土里，人们将虎奉为吉祥物，并以此寄托美好的愿望。千百年来，虎福文化已经深深地根植于人们心中。陶刻能赋予紫砂艺术生命，没有陶刻的紫砂壶只能说是半成品的艺术，因为它缺少了主题内涵和作者本身想表达的意图，就像一张空白的画纸，人们领悟不出任何情感，只有有陶刻的紫砂作品才能说得上是一件真正意义的艺术品，观赏者能第一时间感受到紫砂作品所要传达给人们的内涵和寓意，就像一张五彩缤纷的画卷，作者的思想一目了然。只有包含了内涵和思想的东西，才能称得上是真正的艺术品。陶刻是一门艺术，更是一门语言，它会说话，会用暗语传达情感，紫砂有自身的局限性，光用泥料的塑造是很难真正意义上表达制作者的思想，唯一能体现的只有通过轮廓和形状，欠缺了情感上的表达。
2结语
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上海市纺织装饰用品科技研究所;中国家纺行业协会规划发展部
